CRITICAS DE CINE POR ALBERTO CARPINTERO y MARIA GALLARDO

Se trata de un biopic que cuenta la historia de la banda de rock “The Runaways” formada en 1975 por 5 chicas del Valle de San Fernando, Los Ángeles. Con la ayuda del conocido productor y compositor Kim Fowley firmaron en 1976 con Mercury Records y sacaron su primer álbum “The Runaways”. Actuaron por toda América teloneando a grupos como Tom Petty and the Heartbreakers, The Ramones y Van Halen. En el verano del 77 el grupo llegó a Inglaterra, formando parte de la escena punk del momento y tocando con bandas como The Damned, Generetion X y The Sex Pistols; y después a Japón, donde fueron el tercer productor musical importado de más éxito en Japón después de Led Zeppelín y Kiss. A pesar de ser tan sólo adolescentes, demostraron una gran valía técnica con sus instrumentos, fuerza y estilo en el escenario, y la actitud necesaria para ser una estrella del rock: “Si, somos chicas, pero hacemos Rock & Roll”.

La película es un fiel retrato de la banda y de su historia, desde los momentos más divertidos de los comienzos, su estilo musical en estado puro, el éxito, hasta la disolución final y sus aspectos más deprimentes. El trabajo de documentación y ambientación es impecable: escenografía, vestuario, calidad de imagen… La interpretación de Kristen Stewart, protagonista de la saga “Crepúsculo”, en el papel de Joan Jett es brillante, así como la de Dakota Fanning. Toda esta mezcla de música y estética consigue devolvernos a los 70 y presenciar los momentos más interesantes que vivieron “The runaways”.

La directora Floria Sigismondi además de ser fotógrafa y artista visual, se dedica desde 1993 a la dirección de vídeos musicales de grupos como Muse, The Cure, The White Stripes, Marilyn Manson... Ha escrito y dirigido “The Runaways” basándose en las antiguas memorias de la cantante Cherie Currie “Una memoria de un fugitivo”. A pesar de la película es un fiel retrato de la banda y de su historia, Floria afirma: ”Me tomé la licencia un par de veces en la película para que fuera un poco más simbólica, o retratar una sensación de soledad, o como su mundo se caía a pedazos, pero para mí, era importante permanecer en ese mundo real y contar la historia sin demasiadas campanas y silbatos “

Joe Dante se ha apuntado al avance tecnológico en el cine y después de varios años sin estrenar película, reaparece en nuestras pantallas con “Miedos 3D” (título español), rodada íntegramente en 3 dimensiones. Se trata de un film de terror juvenil que parte de una premisa que es todo un clásico en el cine de terror: una mujer se muda junto a sus hijos a un pueblo para comenzar una nueva vida. El suspense comienza cuando descubren un agujero en el sótano que parece no tener fondo y del que escapan los miedos ocultos en la mente de los jóvenes. Existe a lo largo de toda la película una atmósfera de misterio y sobresaltos típica del cine de género americano, muy bien enlazada con el sentido del humor tan característico de las cintas de terror juveniles de los 80. En general es una propuesta poco original aunque entretenida que en el pasado Festival de Venecia ganó el premio a la Mejor Película

En la última década se han realizado numerosas películas y documentales sobre el “Che”, sin embargo, el director Tristan Bauer se ha interesado por acceder a una mirada más profunda de este personaje que se ha convertido en un icono de nuestro tiempo. Más de diez años de trabajo de investigación han dado como resultado este documental formado casi en su totalidad por imágenes inéditas del “Che” en su infancia, trabajando en los campos, lecturas personales… un recorrido íntimo a lo largo de toda su vida que desvela al hombre, pensador y escritor que hay detrás de la imagen imperecedera de este personaje mítico de la historia. Bauer consiguió acceder a los archivos del ejército militar de Bolivia y a la casa de la viuda de Ernesto, Aleida March, donde aparecieron algunos de sus escritos más personales hasta hoy inéditos que demuestran la necesidad su expresión permanente, en los que narra sus sentimientos más íntimos con la libertad de un artista.

“Che, un hombre nuevo” muestra al “Che” no sólo como un hombre de la revolución, sino como alguien con criterios filosóficos, políticos y económicos reflejados a través de los cuadernos que fue escribiendo, grabaciones de audio, entrevistas radiofónicas y material cinematográfico de la época.

Este proyecto ha sido promovido por el Ayuntamiento de Madrid para homenajear a la famosa arteria que une la ciudad, la Gran Vía, que cumple 100 años. Partiendo de esta premisa, cuatro realizadores españoles (Max Lemcke, Chus Gutiérrez, Juana Macías y Sergio Candel) nos ofrecen un viaje desde la infancia a la vejez, a través de cuatro cortometrajes que tienen como protagonista a esta emblemática avenida madrileña.

“A 400 pasos” de Max Lemcke, trata sobre la infancia de Kike, que tiene que recorrer en solitario la distancia que separa las casas de sus padres que se niegan a verse desde su divorcio. A veces, las distancias entre las personas son más cortas de lo que parece: sólo hay que contar los pasos.
“Mi primer amanecer”, de Chus Gutierrez, es la historia de tres amigas adolescentes que pasan toda la noche recorriendo el centro de la ciudad, y que a través de varios números musicales viven pequeños y grandes momentos relacionados estrechamente con la adolescencia: se divierten, hacen tonterías, dudan, sueñan…
“Gran Vía AM/PM”, de Juana Macías, representa un día cualquiera en la Gran Vía: miles de personas caminando, trabajando, y entre ellas, varios personajes nos hablan de sus encuentros y desencuentros, rutinas, miedos e ilusiones.
“Un siglo de vida”, de Sergio Candel, es un paseo audiovisual por la Gran Vía desde 1920 hasta la actualidad, en el que se toma la arquitectura como protagonista para mostrar el paso del tiempo.

Foto: de izquierda a derecha
Juana Macías, Chus Gutiérrez, Patricia Campo y Sergio Candel.

La última película de Vicenzo Natali, es una mezcla de terror y ciencia ficción sobre la investigación genética y los conflictos éticos en el mundo de los experimentos científicos. Trata sobre una pareja de apasionados investigadores (Adrien Brody y Sarah Polley) que deciden dar vida a una extraña creación formada a partir de cromosomas de todas las especies animales, además del humano. Piensan que será el descubrimiento del siglo, pero se van dando cuenta de que la evolución de la criatura (a la que llaman Dren) no es la esperada: es inteligente y sensible, pero posee una naturaleza fuerte y extremadamente agresiva que son incapaces de controlar.

Con su última propuesta, Vicenzo Natali no consigue deslumbrar al espectador como hizo anteriormente con películas como “Cube” o “Nothing”, ambas dotadas de una genialidad desbordante que han llegado a convertirse en cintas de culto. En Splice, el resultado es una película más o menos convencional de ciencia ficción, larga e irregular. Respecto a su nuevo trabajo, Natali comenta: “lo que quise cambiar respecto a mis primeras películas, es que aquí los personajes toman las riendas de la acción. En las anteriores se veían inmersos en algo grande que debían comprender y de lo que debían escapar. Aquí, ellos deciden su propio destino”.

Michael López-Alegría, el primer astronauta nacido en España que ha viajado al espacio, es el protagonista de este documental dirigido por Manuel Huerga (“Antártida”, “Salvador”). Es una grabación personal capturada a base de cámaras de baja calidad, en el que se cuenta en primera persona las experiencias de Michael durante los 6 meses que permaneció en la Estación Espacial Internacional a 400 kilómetros de la tierra.

Grabada y narrada por su propio protagonista, “Son & Moon”, nos acerca a la vida cotidiana del comandante Lopez-Alegría durante su misión espacial: las pruebas preparatorias, sus sensaciones personales, la convivencia con sus compañeros, la alimentación, el ocio… pero sobre todo se centra en sus reflexiones como padre cuyo trabajo le impide estar cerca de su hijo durante largas temporadas.
Esta película documental es una carta de amor confeccionada especialmente para Nico, el hijo de 7 años de Michael, con el que intenta mantener las conversaciones y los lazos mediante viodeoconferencias. Michael Lopez-Alegria comenta “los momentos más difíciles para mí fueron su cumpleaños, la navidad, pero sobre todo cuando su madre me dijo que Nico había estado mintiendo. Me preocupó no poder estar a su lado, instruirle y ayudarle en los valores morales.”

Fotos (Maria Gallardo):
El director Manuel Huerga en la presentación de la película en Madrid.

El astronauta de origen español Michael López-Alegría junto a su hijo Nico, ambos protagonistas del filme.

El día del planeta tierra, el 22 de Abril de 2010, se ha estrenado la pelíula Océanos (Jaques Perrin) en Faunia con la presencia del co-guionista Stephane Durand y el cámara francés Eric. O C E A N O S

Sin apenas texto, "Océanos" nos acerca a un mundo submarino nunca visto en una experiencia única, muy alejada de los clásicos documentales de la 2. Es una muestra artística de la vida en los océanos, en los que conviven especies de todos los colores y formas, haciéndonos partícipes de la belleza y la geometría presente en la naturaleza.

Estéticamente es brillante, muy rica en texturas y líneas, por momentos prácticamente abstracta, en la que la fotografía posee una calidad y una definición impecables, gracias a las cámaras de alta calidad que se usaron para su grabación. Eric el cámara, comenta " Tardamos sólo un año en probar las mejores cámaras y formarnos para compartir la visión de trabajo de Perrin. Fueron 4 años de rodaje intensivo, a veces con 3 equipos repartidos por el mundo".

"Océanos" consigue conmover al espectador al mostrar las relaciones entre las diversas especies acuáticas: no sólo la ley de supervivencia animal, sino también la protección, la ternura, la enseñanza y el comportamiento colectivo tienen verdadera importancia a lo largo de toda la película. "Todas las medidas de seguridad se siguieron escrupulosamente. Pasamos tanto tiempo sumergidos con los animales, que prácticamente llegamos a formar parte del medio", comenta Eric.

No podemos olvidar el mensaje de denuncia que existe en "Océanos": además de enseñarnos cómo el hombre es el responsable del deshielo de los polos y de la contaminación de los océanos, se muestra la caza de diversas especies para el consumo humano con verdadera crudeza, aunque Stephane explicó que "en ningún momento han sido dañadas ninguna de las especies, las imágenes de violencia han sido recreadas con las mejores técnicas de efectos especiales".

Un instituto de Barcelona esconde un gran misterio sobrenatural. Una pandilla de amigos decide resolverlo.

Un bodrio supuestamente de terror o misterio que intenta emular clásicos juveniles de los 80 como “Una pandilla alucinante” o “Los Goonies” pero que no posee ni la emoción, ni la magia de aquellas. Una auténtica vergüenza que no se sostiene absolutamente por nada, tal vez por algún intérprete veterano con breve papel como Fernando Guillén, Rosana Pastor o Mercè Llorens

La nueva comedia de Nacho G. Velilla es un retrato bastante irregular de dos perdedores que buscan el amor de sus vidas. Con pocos gags acertados, la película se salva por los actores principales Javier Cámara y Carmen Machi, aunque también están muy bien Juan Diego y un atontado Julián López.
Los problemas básicos de esta cinta son: algunos chistes fuera de tono; la incursión de horrorosos efectos digitales; y un guión demasiado televisivo, debido a la deformación profesional del director, creador de series como 7 vidas o Aída.

John Travolta y Jonathan Rhys Meyers son dos agentes secretos que se ven involucrados en un caso de alto riesgo en París.

Pierre Morrel, el director de la cinta, demostró con “La venganza”, su anterior trabajo, que es un realizador competente. La película que nos ocupa hace que la afirmación anterior se cuestione. El trabajo de Morrel en esta ocasión es torpe y esta lleno de efectismos.

La película, que en un principio parece de intriga, resulta ser únicamente de acción y, además, excesiva, sobre todo cuando va acompañada por un irritante Travolta. La trama empieza interesante aunque tópica, pero la aparición de John Travolta hace que la película se adentre en una espiral de irrealidad que se hace difícil de soportar. Y, cuando llegamos al final, nos encontramos una serie de giros de guión que precipitan la película hacia el desastre absoluto. Al acabar lo único que nos queda es la sensación de haber visto otra típica película de la factoría Luc Besson, mente creadora de las odiosas sagas de “Transporter” y “Taxi”.

Arnau es un joven barcelonés con una vida dramática y monótona. Lo único que anima la desazón que siente es un jilguero que cuida y la aparición de un zorro herido.

Estamos ante una de las peores películas españolas del año y eso es decir mucho. La razón de ello no es el punto de partida, ni los actores, si no un guión con grandes lagunas y una dirección tremendamente pedante y “de autor”. Y no hay nada peor que una película mala con pretensiones.

Marc Recha, el director, se empeña en encontrar un estilo único que le haga convertirse en autor y eso desmejora mucho un argumento que, en principio, resultaba interesante.

El guión es muy flojo y por la parte final se vuelve totalmente desconcertante e irritante, incluyendo escenas oníricas que provocan risa.

Pero no todo es malo pues, como indicaba más arriba, los actores hacen bien su cometido y la fotografía está muy cuidada; cosa de agradecer.

“Sin nombre” cuenta la historia de dos personas en busca de una salida. Sayra, de Honduras, quiere llegar a Estados Unidos para empezar de nuevo. Casper, miembro de los maras, huye de sus compañeros, que quieren matarle. Sus vidas se juntan en un tren con dirección a la frontera estadounidense.

Cary Fukunaga, director de la cinta, ganó el premio al Mejor Director en la pasada edición del Festival de Sundance. Con ésta, su primera película, demuestra que tiene talento y fuerza para contar historias.

La fotografía, también ganadora en Sundance, es muy buena y el guión es coherente y creíble, aunque también hay más de una escena previsible.

“Sin nombre” es una película bastante recomendable, pero no se esperen una nueva “Ciudad de Dios” porque no es para tanto.

Un grupo de jóvenes catalanes pasan sus días drogándose mucho, engañando a sus parejas y tocando rock.

En esta película todo es dramático y llevado al extremo, tanto que acaba resultando absurdo. Las casualidades no dejan de ocurrir y el espectador más inocente finalmente no podrá evitar sonreír ante tal fantasía.

Los actores hacen lo que pueden para sacar a flote el producto, pero donde hay un guión malo no se puede hacer nada y éste es uno de los ejemplos que reafirma eso de que en España, por desgracia, hay pocos buenos guionistas.
In the loop:

Un comentario que realiza sin pensar el ministro de defensa británico en la radio provoca un torbellino de situaciones que posiblemente desemboquen en una guerra.

In the loop es una comedia política, quizás demasiado política. Al espectador que no le interese mucho el tema intentará seguir la trama y, en un momento dado, terminará por desconectar. Para seguir bien y disfrutar esta película se requiere un gran esfuerzo de concentración pues las escenas se desarrollan de forma vertiginosa y la verborrea es continua, pero si se consigue penetrar en la trama resulta una comedia original y muy ácida.

Los actores están muy bien todos, especialmente Peter Capaldi que tiene el personaje más agradecido.

Un hombre se despierta de la criogenización sin recordar nada, en una nave que aparentemente se encuentra abandonada.

Esta película posee un arranque de lo más sugerente e interesante, con una atmósfera angustiante y original. El problema llega a la media hora, donde la trama se vuelve típica y cada personaje que aparece es más tópico que el anterior.

Paul W.S. Anderson es uno de los productores y eso se nota cuando introduce en la película acción continua y criaturas de por medio. Varias cintas de género fantástico nos vienen a la cabeza: Horizonte final (del propio Anderson), Alien, The descent,… pero a diferencia de estas películas, Pandorum se pierde en un guión con giros imposibles y una dirección de acción muy floja, uniéndose a la moda de mover la cámara frenéticamente, para que no se vea nada.

Es una pena que una película con tantas posibilidades se vuelva tan típica y tan sosa. Pandorum aparecía como una esperanza en estos tiempos que corren en donde encontrar películas buenas es tarea ardua, pero una vez más la esperanza se ha vuelto decepción.

Martin es un joven que vive de pequeños trapicheos en el Belfast de los 80. Por una serie de circunstancias comienza a trabajar para el servicio secreto, infiltrándose en la organización terrorista IRA.

“50 hombres muertos” es una película que no aporta nada ni al género thriller, ni a la temática “películas sobre el IRA”, pero en ella se nota un buen hacer en casi todas sus facetas, especialmente en la dirección y en el reparto. Destaca entre los actores, por encima de un Ben Kingsley con peluquín, el joven Jim Sturgess, que impregna garra y credibilidad a un personaje que juega constantemente con la doble moral.

Una familia media americana recibe un día una extraña propuesta que resolverá sus problemas económicos: una caja con un botón que al pulsarle te da riqueza al instante pero que, a su vez, provoca que alguien muera.

Richard Kelly, director de la aclamada “Donnie Darko”, vuelve a las pantallas con una libre adaptación de un relato corto del maestro Richard Matheson. El guión utiliza el texto de Matheson como punto de partida para después introducirse en un mundo extraño y onírico. Llena de imágenes inquietantes y efectismos que producen desconcierto, esta cinta es un torbellino de ideas sugerentes y, en general, acertadas, que precipitan la trama hacia un final que decepciona pero que, a su vez, deja un buen sabor de boca.

Los actores, pese a su esfuerzo y seriedad, no destacan demasiado, siendo Cameron Diaz una apuesta demasiado arriesgada para este tipo de historia. Por el contrario, el carismático Frank Langella, consigue una interpretación notable.

Después de todo, uno siente que ha visto algo original dentro de la fría y gris actualidad cinematográfica.

Este thriller dram·tico est· basado en la novela “El sÌndrome de la ternura”, que cuenta la historia de Eric, un joven psicÛpata que acaba de salir del reformatorio para ir a vivir con su tÌa (Laura Dern). Lori es una adolescente que est· obsesionada con Èl tras un suceso que presenciÛ en el pasado, y va a buscarle al descubrir que el joven est· en libertad. El detective Cristofuoro (Russel Crowe) sospecha que el joven volver· a matar, y est· dispuesto a hacer cualquier cosa para evitarlo.
Estos tres personajes se mezclan en un viaje hacia un lugar llamado “Fun Land”, donde descubrir·n finalmente las verdaderas intenciones del joven.
Se intenta tratar el tema de los psychokillers desde una visiÛn Ìntima y tierna, y a pesar del buen trabajo de los actores, el resultado es una pelÌcula frÌa de personajes planos.

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